小鲜肉霸屏，他们最被诟病的，是得到了天价片酬，却没有与之匹配的演技、人品以及敬业精神。业内人士在担忧的同时，引入“老戏骨”这个概念作为参照对象：老戏骨是演员，小鲜肉是偶像；老戏骨靠演技吃饭，小鲜肉靠脸吃饭；老戏骨重质量，小鲜肉重数量；老戏骨是里子，小鲜肉是面子；老戏骨是奢侈品，小鲜肉是快消品；老戏骨是常青树，小鲜肉是烟花；等等。

老戏骨如赵立新自谦为手艺人，他在拿到第22届华鼎奖百强电视剧最佳男配角奖时表示：“演员就是个手艺人，祖师爷赏饭吃，传给了我们这门手艺。而我作为一名手艺人，要用自己一双干净、勤奋、善良、勇敢的手守住它，让它能够别流失，别偏废，别走样。”

既然是手艺人，就得耐得住寂寞，受得住诱惑，全心全意地磨练自己安身立命的技艺—这就是所谓“匠人精神”。《人民的名义》出品人、总制片人高亚麟坦言，为该剧选角时从未考虑小鲜肉——他所说的“小鲜肉”，特指“没有演技、不是职业演员的所谓年轻明星，靠脸吃饭的那种”。《人民的名义》的火爆，让高亚麟感觉“又回到手艺人的时代”，“把手艺练好，这才是王道”。

也有人认为，一味抨击小鲜肉，是不是跑偏了？《人民的名义》中的“吴老师”张凯丽也对小鲜肉表示宽容：老戏骨已经有了一定的年龄和阅历，小鲜肉则刚刚出道，让他们和老戏骨拼演技，这不太公平。

时间是小鲜肉的大敌，却成就了老戏骨。

还记得电影《喜剧之王》的开头，周星驰扮演的尹天仇在海边大喊“努力！奋斗！”那一幕吗？

每一位老戏骨在完成蜕变之前，都经历了这个“努力！奋斗！”的艰辛过程，支撑着他们的，就是尹天仇所坚守的信念：“其实我是一名演员。”

冯远征和吴刚、丁志诚同为北京人艺85班的学员。根据吴刚的回忆，刚刚入学，班主任林连昆就告诉他们：“孩子们，演戏是非常清贫的，你要想发财，现在就可以走，这个职业一辈子也发不了财。你们必须有无限的热爱，才可以站住。”

在那篇著名的访谈稿《我穿墙过去》中，冯远征提及，1986年年初，西柏林高等艺术学院教格洛托夫斯基流派的露特·梅尔辛教授受邀来北京给85班上课。梅尔辛教授会大量使用身体技术来激发演员的潜能，她的课一次三四个小时，要练翻滚、跳跃等，很辛苦。吴刚跟梅尔辛教授说自己有脚气，以此逃避上课。翻译把脚气翻成“脚上有病”，教授信以为真，以为吴刚骨折了，马上准假。冯远征则因为上课认真、不惜力，领悟也快，得到梅尔辛教授的青睐。

梅尔辛教授安排冯远征去德国留学，并希望他留在德国，成为格洛托夫斯基流派的传人。但冯远征焦虑的是，留在德国，很可能没有人找自己做演员；即使能演戏，演的也一定不是自己想演的角色，无非是演个“外国人”，不停地在台上跑来跑去，偶尔说上一句话，也就比龙套好一点。于是，带着对梅尔辛教授的愧疚，他回了国，回到北京人艺，开始拍影视剧。“很多事情都看机遇，我赶上了。其实当初如果我再在德国待个五年十年，回来可能也能当演员，但我就不会遇到《不要和陌生人说话》。”

对，机遇，这就是尹天仇在《喜剧之王》中一直没有抓住的东西。一个演员，首先得有戏演，才谈得上磨练演技。尹天仇屡败屡战，一次次死缠烂打，争取每一个出镜机会；而他哪怕当临时演员，也希望带入自己的演绎方式。“临时演员也是演员，虽然你们扮演的是路人甲乙丙丁，但一样是有生命、有灵魂的。”日后，这些磨砺经过时间的发酵，会成为滋养演技的养分。所以，时间是小鲜肉的大敌，却成就了老戏骨。

老戏骨有着手艺人的全心全意和坚持。

虽然李雪健在《水浒传》中成功塑造了宋江的形象，他自己却认为，“宋江是我事业的最大遗憾”。

在娱记孟静的报道中可以看到，为了演好宋江，李雪健是这样设计角色的：“五百年前人是怎样的？你看那些人，腰带系在肚脐眼下，挺着小肚，像小老板似的，穿袍不可能敞开走，都是迈小碎步，小肚一挺，小屁股一撅，跪那儿是种礼仪，像国画那样，有五百年前那种又近又远的味道。”但《水浒传》播映之后，他为宋江特意设计的小碎步，被认为猥琐、狡诈、夸张，“一副奴才相”，这让他失望。

作家张发财在微博上替李雪健打抱不平：“李雪健《水浒传》里那种小碎步走路，不是猥琐是时尚，因在宋朝有身份人走路都是小碎步（日本艺伎走路方式就是学宋朝的）。同时还讲究走时鞋不露出裙边，裙边容易扬起，就用玉佩来压裙角。所以玉佩的正确位置应该像尿袋一样在膝盖以下。看了下《水浒传》，李雪健的玉佩位置也没出错，这人够敬业。”

李雪健对《水浒传》的另一个遗憾，就是他的宋江是别人配的音。他和宋江同为山东人，在他的设想里，宋江应该是朴实的、就事论事的，再带一点憨憨的山东腔。但是，《水浒传》是后期配音，他自己配了三四集，就碰上陈凯歌的《荆轲刺秦王》（他演嬴政）要到坝上抢季节，等他拍完《荆轲刺秦王》的镜头回来，发现配音工作已经由别人完成了。人物创作的两大要素，一是形体，二是语言，他觉得自己只完成了形体部分，没让观众看到完整的创作，就成了遗憾。之后，他表示，“再接戏必须配音，不让我配我就不接，合同上写明。把语言拿掉，我只完成一个形体，语言是别人的，只能是两个人创作的角色，两个人有两种理解”。

现在的李雪健，除了得过喉癌使声线变弱，听力也下降得厉害，需要戴助听器。演戏时肯定不能戴助听器，于是，他把跟他演对手戏的演员的台词都背下来，这样人家一张嘴，他就知道人家在说什么，自己该给什么反应。

这种一丝不苟、兢兢业业的敬业态度，是成为老戏骨的必备条件。李雪健如此，其他老戏骨同样如此。侯勇演《大染坊》时，是这样做案头准备工作的：他把自己封闭起来，大概半个月足不出户，熟读剧本后一页页拆开，贴在墙上，然后先捋人物线，再捋情节线，接着捋人物关系线，把这些都想清楚，让人物在心里活起来。他形容这个过程就好像怀胎十月。

在资本中心制的统辖下，小鲜肉的霸屏成为必然。

出演《人民的名义》之后，侯勇在接受采访时表示，自己也见识过“资本的力量”，“当时有人直接说你过来拍一个戏，啪，一笔钱往这儿一搁，我都傻了，没见过这么多钱”。

阅读量达数百万人次的《编剧宋方金“卧底”横店带回一线实录：表演，一个正在被毁掉的行当》一文中，提出了一个说法：“以前是导演中心制，现在是小鲜肉中心制。”知乎用户“梅冬冬”则认为，目前影视界最叫得响的是“资本中心制”，资本凌驾一切，至于什么导演中心制、编剧中心制甚至小鲜肉中心制都是伪命题。

在资本中心制的统辖下，小鲜肉的霸屏成为必然，因为资本不关心商品（注意，他们产出的已经不是传统意义上的“作品”，而是“商品”）的质量，只关心如何尽快得到回报。现在流行预售制，流程是：头脑风暴想点子—找人攒大纲—和平台谈预付价—计算每集成本—根据成本敲定演员。要想收视有保证，就得把钱花在自带粉丝和流量、“既卖网（视频网站）又卖台（电视台）”的明星上，这直接抬高了这些明星的身价。网络上有一个“当红电视剧演员片酬榜”，吴亦凡、鹿晗、杨洋的报价分别达到了1.2亿元、0.8亿元～1亿元、7000万元，而Angelababy出演《孤芳不自赏》，实收8000万元。

资本中心制是因，宋方金那篇卧底文所披露的诸如“抠图”演出、只负责拍摄面部特写的表情包表演、大量使用替身、演员不背台词由副导演提词或者念数字等乱象，则是资本中心制酿成的果。影视剧成了规模生产的产品（所以要控制成本，明星一天要花几十万，替身只需两三百，当然选替身），剧情的设定、演员的选择都是精心设计的结果：××分××秒，女主流下一滴眼泪，你应该也感动到哭。啊，你居然不哭！还是不是人啊你！

小鲜肉们也很委屈：既然卖人设就能吸粉，谁还苦哈哈地在表演上下功夫？而且，他们也非得到处参加活动露脸不可，因为只有频繁曝光才能固粉。粉丝经济嘛，就像媒体人杨时旸所说，靠脸吃饭正是IP剧这个行当最重要的要义，粉丝们只要见到爱豆的脸就足够了，更何况还给他们安排了那么多催泪又虐心的情节。“粉丝对于偶像的一切需求都是‘见面会’，电视剧、电影、演唱会、唱片、写真集，等等一切，不过都是‘见面会’的各种变型罢了。至于见面会的内容和质量本身并不太重要。”杨时旸写道。

我们希望，小鲜肉的终点是老戏骨。

刚刚出演电视剧《白鹿原》的何冰并不厌恶资本的进入：“你没有力量和资本对抗，也不能要求别人对物质无欲无求。我们也没有权利要求资本懂戏，所以你不能责怪它，甚至你应该觉得赶上了一个好时候，资本终于来了，因为不来更不好。”他的困惑是：玄幻没问题，小鲜肉也没问题，但缺少国字号的正剧，好像也不对吧？

何冰的意思是，影视行业本来应该百花齐放，各种类型的电影和剧都能找到市场，各适其所。但现在的问题是，影视剧类型日趋单一，大部分观众尚未建立自己的审美，而是随波逐流，市场提供什么就看什么（编剧界都在骂《三生三世十里桃花》原作者抄袭，但吃瓜群众根本不care这个），于是形成了恶性循环：多数人满足于看烂片烂剧，于是投资人觉得烂片烂剧好卖，继续砸钱做烂片烂剧。

所以杨时旸说，在这样的机制下，让作为个体的小鲜肉有内在动力去提高台词能力和演技，那是痴人说梦。他们一直在安心做偶像，而偶像，是区别于表演的另外一个体系。

但我们仍然希望这些小鲜肉不满足于此。不少老戏骨也是从小鲜肉走过来的，比如一度苦恼于“第一奶油小生”称号的唐国强。还有些演员则处在“小鲜肉以上，老戏骨未满”的阶段，比如胡歌。他认为小鲜肉的终点是老戏骨，他自己处在“从小鲜肉到老戏骨的过程中，是骨肉相连的一种状态”。

所以，小鲜肉面前有两条路径：一是小鲜肉在变成老腊肉之前就消失了，被另一拨小鲜肉代替；二是小鲜肉经过修炼，终于变成了老戏骨。

就像何冰所说：“一个男演员，你漂亮归漂亮，但你毕竟还是要演点什么的。”